如何评价2021年7月新番《漂流少年（SONNY BOY）》？ 第1页

能在2021年看到这样一部作品还是挺让我感到意外的，sonny boy如果放在二十年前肯定算不上什么能让人眼前一亮的作品，但在现在的大环境当中就显得太难能可贵了。

就我个人查找到的信息，本作似乎并没有成立制作委员会，导演夏目真悟还包办了编剧工作，制片人福士裕一郎告诉他完全按照自己的想法去拍一部作品，他也确实这么去做了。从第一集播出开始观众就觉得sonny boy的表现手法与众不同，而且不太好看懂。也有专业人士分析本作的分镜构图，认为违反了一般创作原则，其轴线、转场、空间设计都是有问题的，同时大段用台词输出信息，作为影像作品并不是高明的做法。

但多数人包括这些分析者在内，都不觉得夏目真悟是不懂这些规则，毕竟把他当导演拍出的作品（太空丹迪、一拳超人）拿出来展示一下，就算再婆罗门的观众也得承认他的才华。那么就只能指向一个结论——夏目真悟是有意为之。故意违反一般的创作原则，这么做的目的是为了探索新的表现手法，而这样的动画一般被称为实验性动画。

实验性动画在本世纪10年代之后就已经几乎销声匿迹，上一个井喷的时代是90年代后期本世纪初期，其出现的原因包括EVA带来巨大反响、互联网开始兴起、数码扫描取代赛璐珞上色等。这期间出现的玲音、非常偶像Key、幻影死神都有着浓厚的实验性质，演出手法和剧情编排独树一帜，是在为动画表现探索可能性。当然，这些动画也存在剧情晦涩，镜头诡异等各种各样的问题，总的来说属于是稚嫩不成熟的作品。

而这些探索也会影响到同一时期的其他作品，例如大家熟悉的1999年出品的数码宝贝，里面就充满了各种神棍一般的剧情，尤其是滚球兽在东京以及围绕八神光这个角色的诸多谜团，甚至连bgm波莱罗舞曲以及光明与希望也充满了宗教的神秘感。而第三部驯兽师之王干脆直接继承了来自玲音当中的诸多主题，连结局都是偏悲剧向的开放式剧情。这样的表现手法在如今的子供向动画里是不可能出现的，拿去年开播的数码宝贝重启版作对比就十分明显。

甚至于09年的白色相簿1里还能感受到这种来自实验动画的开创气息，里面诸多的语言镜头和角色独白在如今成熟的日本商业动画里是无法见到的，它们展现了日本动画的另一种可能，也就是动画原来是可以这样拍的。但这些独特的表达在日本动画这个载体从小众变得大众之后便逐渐消失了，其差别宛如欧洲电影和美国电影。

实验性动画式微的原因是多方面的，制作委员会模式的推广导致创作者话语权进一步缩减，作品主创必须更多去在一作品的商业成绩。OVA市场的大幅缩水加上独立动画人的减少，使得非商业动画最后的避风港也逐渐消失。最近这些年除了日本动画人博览会这种短片集之外，已经很少能找得到带有实验性的动画。

当今的动画在表达方式上都显得无限趋近，除开新房昭之等少数可以掌控作品的导演之外大都沿用相似的演出模式，这一套模式是前辈们经过多年摸索试探出来的成熟手法。但学过生物的都知道，当细胞分化到成熟阶段后，其本身所具备的进化可能性也就消失了。一集动画要有几个高潮点，分别出现在第几分钟，构图转场和旁白解说要遵循怎样的规则，第几集要有转折，第几集要有福利，这些东西如果一早就制定好了，那么作品本身真的能算是创作者自己所打算完成的？

如果要问sonny boy这部作品最大的价值在什么地方，那就是让我看到了如今日本动画界年轻一代的导演依然有人在努力重置这种可能性，只要还有这样的人，日本动画就不会停止成长。

夏目真悟出生于1980年，青少年时期正是实验动画盛行的时候。不知道是有意还是无意，他的上一部作品不吉波普不笑正是00年的一部晦涩难懂的意识流作品幻影死神的新版本，而夏目真悟在访谈中提到本作有意还原一种90年代作品的怀旧感。而关于演出手法的问题，夏目也提到自己故意没有遵循影像和TV动画语法去制作，而成品的晦涩程度连自己都感到惊讶，那么本作的实验性并非被动而是主动产生的。

关于作品的剧情和主题，每一集更新时都有许多观众在进行分析，有从中领悟到人与人之间的关系，有领悟到虚幻与现实的联系，有领悟到学校里的社会关系，甚至有领悟到哲学命题和人类的现代性危机的。我之前也随大流谈了一些自己的感想。

但实际上我根本不知道作者到底想表达什么，我也觉得没必要去深究出一个标准答案，夏目或许只是想讲一个少年成长的故事也说不定，但能从作品里引申出观众自己的思考，那本身也可以算作是作品存在的一种价值。夏目也在访谈中说观众按照自己的想法去分析就好，完全没有必要让大家了解一切，如果能让观众感受到哪怕是一种难以用语言表达的情感，自己觉得就算是成功了。这让我想起宫崎骏曾经说过创作者没必要追求让观众全盘理解自己的想法，对于观众而言，看不懂也是一种重要的体验。

然而现实是，现在已经很少出现这种能够引发观众深思的作品，所有动画都在追求更低的观赏门槛，力求让作品更加浅显易懂，观众只看两分钟甚至只看标题就能掌握作品的大致内容。在这种环境下，像本作这种故意抬高理解门槛，让观众每一集甚至每一分钟都要聚精会神，看完之后也感到怅然若失的动画就充满了反商业的属性。

这让我想起前段时间动画学术趴做的聊天节目里，一位从90年代过来的工作人员说自己当年对用低俗内容刺激讨好观众的作品是比较抵触的，自己看动画时会比较在意作品想表达的内涵。但另一位出生较晚的工作人员则表示自己没有这样的想法，比较能接受动画作为纯娱乐产品的属性。这除了能体现不同年代之间动画爱好者的心态差异，也能体现不同年代动画作品本身的差异吧。

当然我觉得没必要叹息sonny boy这样的作品不火，因为这本身只是一部不成熟的实验性作品，小范围的讨论更适合它的存在。否则我能够预料到讨论走向很快会变更到奇怪的地方（光最后一集对许多人而言就足够爆炸了），作品的口碑评分也不可能保持下去。

作者追求的也不是它能火，就像长良回到了自己所不期望的世界，但仍然接受了这一切。世界能够满足自己的愿望当然好，但这并不真实。

此外本作的出品公司madhouse是一家曾经制作过大量经典作品的动画公司，艺术风格也非常前卫，今敏和汤浅政明等动画大师就是该公司所发掘。可惜2010年左右遭遇经营危机，精英出走后创建了mappa，使得madhouse从此衰落。最近两年madhouse又有了一些复苏的迹象，日前还宣布夏目真悟将执导四叠半神话大系的续作，不得不说都是比较让人振奋的消息。

我觉得这部作品本身就像是这个问题下的诸多优秀回答。答主们耐心拉片，反复思考，费劲心力撰写长文，但只能拿到不到一百个赞，如果去热门领域发泄一下情绪就会有千赞甚至万赞。但要是问这些答主自己做的事是否不值，他们多半不会在意这种问题，因为自己喜欢这部作品。

从创作者的角度来说，假设只能纠结于生存的问题，那么作品本身便没有了价值，创作者应该追求的是经历时间洗涤后还能保存下来的东西。