为什么有人认为西方古典音乐比中国音乐更死板（详见说明）？ 第1页

看完描述，我觉得爷爷的感觉是有道理的，但他可能说不清楚，我来替爷爷说两句。其实，这件事的本质探讨的是，乐谱到底在演奏者的演奏中起到多大作用的问题。虽然中西音乐都有乐谱，但二者对待乐谱的态度却不太一样，这也就培养出了两种音乐观念。

在中国音乐中，虽然有乐谱来记录音乐，但在学习和演奏音乐中，更重要的是通过“口传心授”来进行音乐实践，乐谱在一定阶段更多的只是起到“提示”的作用，我们举个例子。

上面这张图片，是现存的一个民间笙管乐队所使用的乐谱，这是一份工尺谱。通过这份乐谱，我们可以依据工尺谱的普遍记谱原则，了解到作品的名称，调高，音高、节奏、节拍，如果有时间，甚至还可以将这份工尺谱翻译成简谱。如果我们按照西方音乐的演奏原则，有了这份乐谱提供的信息，其实已经可以演奏了。但在中国音乐中，了解、熟悉、学习这些谱字只是开始，下面还会有一个更重要的环节，就是“韵谱”。什么是“韵谱”呢，简单来说就是“唱谱”，这个唱谱不同于音乐学院里学的“视唱练耳”，这种唱谱会把工尺谱上记录的音乐进行“风格化处理”，比如加一些装饰音，调整音高、变换节奏，等等。所以，徒弟想和师傅学习，不光要懂工尺谱字，更要记住师傅韵的谱，因为韵的谱才是演奏音乐的核心，更是体现一个乐社风格流派的标志。在学会了韵谱之后，徒弟就可以根据已经记忆好的旋律来演奏乐器了，演奏出的音乐通常来讲会体现出师傅的风格。当然，如果徒弟慢慢收了徒弟，他也可以根据自己的理解再进行变化处理来教给自己的徒弟。这种传承的模式，会让音乐传承与传播过程中产生不同的流派与分支，也会使得同样一个曲牌，有不同的演奏风格和变化特点。所以，想要领会中国音乐的精髓，被民间艺人们心中认可，必须和师傅们通过“口传心授”来学习，光会演奏乐谱只能算入门，更重要的是掌握一种风格。这样的传承方式下，音乐是可以不和乐谱一样的，这更使得乐谱，在中国音乐中逐渐变得并没有那么重要，大家似乎更注重演奏音乐的感觉和韵味，因为这是流派师承和艺术高度的体现。同样的道理，在民歌、戏曲、曲艺里亦然。

而在西方音乐中，其实学习的逻辑相对简单，只要是学会了演奏所需要的的理论，就可以按照乐谱来演奏了，至于风格变化和音乐处理，更多参考的是作品所处的音乐历史时期和作曲家的风格，并不是演奏者个人意愿。即便在西方钢琴艺术的历史中，出现过不同的流派，比如以李斯特、塔尔贝格、德雷肖克等为代表的“炫技流派”，以肖邦、门德尔松、克拉拉·舒曼等为代表的“艺术流派”、莱谢蒂茨基、安东·鲁宾斯坦等为代表的的“情感流派”等，这些流派在演奏作品时，仍然是需要在作品所处时期和作曲家的特点的框架内完成，并不会有特别夸张无厘头的演奏。在这种模式下，乐谱就变得十分重要。

综上，我们或许可以更加容易理解一些事，比如在中国音乐里，我们会强调京剧里的梅兰芳、程砚秋是大师，他们的徒弟会被称为“梅派”、“程派”，我们会强调曲艺京韵大鼓的刘宝全、白云鹏是大师，他们的徒弟会被称为“刘派”、“白派”。等等。比如在相声界，十分强调师承亦是如此道理，即便你再有本事，没有师承，也不会被业内认可。但在西方演奏家中，我们似乎很少会听到有特别复杂的派别分支之分，即便是霍洛维茨，教了那么多学生，似乎也很少有人将他的学生成为“霍洛维茨派”，这其实是两种思维。

那具体到题主的问题来说，爷爷其实说的意思是，音乐应该更加注重个人的表达，不应该只参照乐谱，这其实是中国音乐的演奏思维。这种观点的出现或许和爷爷的学习音乐过程有关，你可以去问问爷爷，他学会演奏二胡和笛子大概率是有人手把手教的，并没有过特别系统的理论学习，这种学习过程类似于民间艺人学习，这种学习过程会让爷爷更加强调“感觉”，而不是“精准”。而你弹莫扎特，其实是西方音乐学习中形成的思维，保证准确，适当处理，也是对的。所以，关于这个问题不要过于强调两件事的对错，能够理解两件事的原理，就可以了。